Il design giapponese del XX secolo: dalla tradizione al modernismo

Quando pensiamo al design giapponese, ci vengono in mente alcuni oggetti emblematici come la bottiglia di salsa di soia Kikkoman (Kenji Ekuan), il walkman Sony, che alla fine degli anni Settanta ha rivoluzionato il modo di ascoltare la musica e ha invaso il mercato americano ed europeo, o ancora i prodotti high-tech. Tuttavia, il design giapponese non si limita ai soli aspetti materiali e funzionali. All'inizio del XX ^{secolo, era radicato nella tradizione artigianale profondamente radicata nella cultura del Paese, prima di assimilare gradualmente le tecniche occidentali, combinando infine eredità e modernità, prima di diventare esso stesso avanguardia.}

I primi architetti e designer giapponesi moderni avevano una cosa in comune: venivano in Europa per formarsi con i grandi maestri occidentali. Con il Bauhaus in particolare, l'Europa ribolliva di nuove idee. Verso la fine degli anni Venti, due grandi figure giapponesi considerate tra i pionieri dell'architettura e dell'urbanistica moderna in Giappone, Junzō Sakakura (1901-1969) e Kunio Maekawa (1905-1986), lavorarono nello studio di Le Corbusier. Sotto l'occhio intrattabile del grande maestro svizzero, imparano le tecniche dell'epoca, prima di tornare nel loro Paese.

Fu, infatti, Junzō Sakakura a suggerire a Charlotte Perriand di diventare consulente per il design dell'arte decorativa presso il Ministero del Commercio giapponese. Avventurosa, la Perriand non esita e raggiunge il Giappone nel 1940. Dalla sua avventura giapponese, Perriand trarrà ispirazione dal DNA giapponese del design per progettare, al suo ritorno in Francia, pezzi di arredamento che sono diventati un cult.

Qual è dunque il DNA del design giapponese? È in gran parte contenuto nel movimento Mingei (letteralmente movimento di arte popolare) lanciato nel 1925 e teorizzato dallo scrittore, pensatore e collezionista giapponese Sōetsu Yanagi (1889-1961). Ispirato al movimento inglese Arts Crafts, il Mingei rivendica il recupero delle tradizioni e la bellezza degli oggetti di uso quotidiano, realizzati in ceramica, legno, lacca, ferro, cesteria e tessuti.

Esclude ogni artificio decorativo e di lusso, a favore di un oggetto "naturale, sincero e sicuro". Il design giapponese combina quindi l'artigianato tradizionale (bambù, legno, lacca) con l'espressione di una bellezza chiara, pura e semplice. In questo senso, il design giapponese assomiglia all'approccio scandinavo al design dell'epoca, senza il lato "accogliente" e caldo.

Altre due figure di spicco del design giapponese sarebbero gradualmente riuscite a coniugare le antiche tecniche artigianali giapponesi con i nuovi processi innovativi sviluppati in Occidente. Si tratta di Sōri Yanagi (1915-2011), figlio di Sōetsu Yanagi, i cui famosi sgabelli Butterfly ed Elephant hanno fatto il giro del mondo, e di Isamu Noguchi (americano-giapponese, 1904-1988), noto a livello internazionale per le sue lampade Akari, vere e proprie sculture di luce, e per il suo Coffee Table.

Nella seconda metà del XX ^{secolo, i designer giapponesi si allontanarono poco dalla tradizione artigianale giapponese e si ispirarono al modernismo occidentale. Lo stile organico scandinavo è ancora una fonte di ispirazione, così come il design italiano più radicale e colorato degli anni Sessanta. Come in Occidente, la priorità fu data allo sviluppo di un'industria in grado di produrre mobili in serie. Associato all'azienda Tendo Mokko, il designer Isamu Kenmochi (1912-1971) incarna la creazione e la definizione del design industriale giapponese.}

Una nuova generazione di designer arrivò a rompere i codici tradizionali del design giapponese; il più creativo e audace fu senza dubbio Shiro Kuramata (1934-1981), che fece una carriera internazionale progettando mobili e architettura per esterni. Amico intimo di Ettore Sottsass, Kuramata non esitò a unirsi al Memphis Group nel 1981.

Lo stile Kuramata? Un disegno intriso di poesia e leggerezza, un desiderio di catturare l'"immateriale", che gli fa creare opere singolari, apparentemente molto distanti da quelle dei suoi predecessori, ma che si rifanno ad alcuni grandi principi della cultura tradizionale giapponese: sensibilità, eleganza o sensorialità. La maggior parte dei pezzi di Kuramata sono serie limitate o rare.

Della generazione di Kuramata, ci furono altri che osarono creare mobili originali e audaci: Masanori Umeda (1941), che partecipò anche all'avventura di Memphis, Toshiyuki Kita (1942), la cui influenza creativa si estese fino a diventare internazionale, Arata Isozaki (1931), e Kazuhide Takahama, che produsse per alcuni dei più grandi editori: Knoll, Gavina, BB Italia, ...

A uno sguardo più attento, il design giapponese contemporaneo rimane vibrante e creativo. Nati dopo il 1950, Tomoyuki Sogiyama (1954), Shin Azumi (1965), Tokujin Yoshioka (1967) e il più giovane Oki Sato (1977) incarnano la successione giapponese a cavallo del XXI secolo. Il che, alla fine, non è sorprendente per un Paese i cui mercati sembrano condannati all'innovazione permanente.

François Boutard