Japanisches Design im 20. Jahrhundert: Von der Tradition zum Modernismus

Wenn man über japanisches Design spricht, denkt man an bestimmte ikonische Objekte wie die Sojasaucenflasche Kikkoman (Kenji Ekuan), den Walkman Sony, der Ende der 70er Jahre die Art des Musikhörens revolutionierte und die amerikanischen und europäischen Märkte eroberte, oder auch an High-Tech-Produkte. Dennoch beschränkt sich das japanische Design bei weitem nicht nur auf materielle und funktionale Aspekte. Jahrhunderts wurzelt es in der tief in der Kultur des Landes verwurzelten Handwerkstradition, bevor es nach und nach westliche Techniken assimiliert, schließlich Erbe und Moderne miteinander verbindet und schließlich selbst avantgardistisch wird.

Die ersten modernen japanischen Architekten und Designer haben eines gemeinsam: Sie kommen zur Ausbildung nach Europa, um von den großen westlichen Meistern zu lernen. Vor allem mit dem Bauhaus sprudelte Europa damals vor neuen Ideen. Ende der 1920er Jahre arbeiteten 2 große japanische Persönlichkeiten, die zu den Pionieren der modernen Architektur und Stadtplanung in Japan gezählt wurden, Junzō Sakakura (1901-1969) und Kunio Maekawa (1905-1986), im Atelier von Le Corbusier. Unter dem unnachgiebigen Auge des Schweizer Großmeisters erlernten sie die Techniken der damaligen Zeit, bevor sie in ihre Heimat zurückkehrten.

Es war übrigens Junzō Sakakura, der Charlotte Perriand vorschlug, als zeichnende Beraterin für dekorative Kunst beim japanischen Handelsministerium tätig zu werden. Die abenteuerlustige Perriand zögerte nicht und reiste 1940 nach Japan. Von ihrem japanischen Abenteuer ließ sich Perriand von der japanischen DNA des Designs inspirieren und entwarf nach ihrer Rückkehr nach Frankreich Möbelstücke, die Kultstatus erlangten.

Was ist also die DNA des japanischen Designs? Sie ist weitgehend in der Mingei-Bewegung (wörtlich Volkskunstbewegung) enthalten, die 1925 ins Leben gerufen und von dem japanischen Schriftsteller, Denker und Sammler Sōetsu Yanagi (1889-1961) theoretisiert wurde. Inspiriert von der englischen Arts Crafts-Bewegung, fordert Mingei die Wiederbelebung von Traditionen und die Schönheit von Alltagsgegenständen, die aus Keramik, Holz, Lack, Eisenwaren, Korbwaren und Textilien hergestellt werden.

Es schließt alle dekorativen und luxuriösen Kunstgriffe zugunsten eines "natürlichen, ehrlichen und sicheren" Gegenstands aus. Im japanischen Design findet man also eine Mischung aus handwerklichen Traditionen (Bambus, Holz, Lack) in Verbindung mit dem Ausdruck einer klaren, reinen und einfachen Schönheit. In diesem Sinne ähnelt das japanische Design dem skandinavischen Designansatz der damaligen Zeit, nur ohne die "gemütliche" und warme Seite.

Zwei weiteren herausragenden Persönlichkeiten des japanischen Designs wird es nach und nach gelingen, die alten japanischen Handwerkstechniken mit neuen, innovativen, im Westen entwickelten Prozessen zu verbinden. Es sind Sōri Yanagi (1915-2011), der Sohn von Sōetsu Yanagi, dessen berühmte Hocker Butterfly und Elephant um die Welt gingen, und Isamu Noguchi (amerikanisch-japanisch, 1904-1988), international bekannt für seine Akari-Lampen, wahre Lichtskulpturen, und seinen Coffee Table.

In der zweiten Hälfte des 20 Jahrhunderts emanzipierten sich japanische Designer nur wenig von der japanischen Handwerkstradition und ließen sich von der westlichen Moderne inspirieren. Der organische skandinavische Stil ist immer noch eine Inspirationsquelle, ebenso wie das radikalere und farbenfrohere italienische Design der 1960er Jahre. Wie in den westlichen Ländern liegt der Schwerpunkt auf der Entwicklung einer Industrie, die in der Lage ist, Möbel in großen Mengen zu produzieren. Der Designer Isamu Kenmochi (1912-1971), der mit dem Unternehmen Tendo Mokko verbunden war, verkörperte die Schaffung und Definition des japanischen Industriedesigns.

Eine neue Generation von Designern brach mit den traditionellen Codes des japanischen Designs; der kreativste und mutigste war zweifellos Shiro Kuramata (1934-1981), der eine internationale Karriere machte, indem er Möbel und Außenarchitektur entwarf. Als enger Freund von Ettore Sottsass zögerte Kuramata nicht, sich 1981 dem Abenteuer der Gruppe Memphis anzuschließen.

Der Kuramata-Stil? Ein Design, das von Poesie und Leichtigkeit geprägt ist, eine Lust, das "Immaterielle" einzufangen, die ihn einzigartige Werke schaffen lässt, die scheinbar ziemlich weit von denen seiner Vorgänger entfernt sind, die aber auf einige große Prinzipien der traditionellen japanischen Kultur verweisen: Sensibilität, Eleganz oder auch Sinnlichkeit. Die meisten Stücke von Kuramata sind limitierte oder seltene Serien.

Aus Kuramatas Generation sind es andere, die es wagen, originelle und gewagte Möbel zu entwerfen: Masanori Umeda (1941), der auch Teil des Memphis-Abenteuers war, Toshiyuki Kita (1942), dessen kreativer Einfluss sich zu einem internationalen ausweitete, Arata Isozaki (1931) und Kazuhide Takahama, der für die größten Verleger produzierte: Knoll, Gavina, BB Italia, ...

Bei genauerer Betrachtung ist das zeitgenössische japanische Design nach wie vor sehr lebendig und kreativ. Die nach 1950 geborenen Tomoyuki Sogiyama (1954), Shin Azumi (1965), Tokujin Yoshioka (1967) und der Jüngste, Oki Sato (1977), verkörpern den japanischen Nachwuchs an der Wende zum 21. Dies ist letztlich wenig überraschend für ein Land, dessen Märkte zu ständiger Innovation verdammt zu sein scheinen.

François Boutard

.